¿Copiar o transformar? La discusión sobre plagio y apropiación que sacude al arte contemporáneo

“Los buenos artistas copian; los grandes artistas roban”, dijo Pablo Picasso. La frase vuelve con fuerza cada vez que se reactiva una vieja pregunta: ¿inspiración, homenaje o plagio?

Una discusión que en las últimas semanas tuvo como protagonista la chola pobleteuna de las artistas más reconocidas del momento, capaz de tomar hitos del arte y trasladarlos al llamado nuevo Pop Andino. En su actual exposición en la galería barrofue intimidada a retirar el trabajo que hacía referencia a la serie El triunfo de la muerte (1998), de Óscar Bony –uno de los artistas más provocadores del legendario Instituto Di Tella–, porque la hija y heredera del fallecido Bony aparentemente no se trataba de un tributo.

En agosto pasado, Ciruelo publicó en Instagram los parecidos entre una de las obras de Carrie Bencardino y una suya: “Visitando el Malba me encontré con una pintura expuesta que me resultó muy parecida a una pintura mía de 2005 llamada ‘Dragon Caller’”, escribió el artista, reconocido a nivel mundial como uno de los ilustradores más importantes del arte fantástico.

Un caso similar ocurrió en 2020, cuando la fotógrafa Nora Lezano –reconocida por retratar a músicos como Charly García, Fito Páez y Gustavo Cerati– denunció por plagio a la artista plástica Mariana Esquivelgalardonada por el Museo de Bellas Artes de la provincia de San Juan.

“Mariana Esquivel utilizó esta fotografía sin mi autorización y sin citarme –escribió Lezano en su cuenta de Instagram– en una clara intención de ocultar la no originalidad de su obraa. Esto perjudica a los autores fotográficos, así como también al público, que tiene derecho a saber quién hace qué en el mundo del arte”. Esquivel desistió del premio..

“El arte y la ley son campos antagónicos –reflexiona la historiadora e investigadora Andrea Giunta–. En tanto la historia del arte enseña que toda obra parte de otra –la idea de innovación total logró para las vanguardias–, la ley enarbola el copyright que regula el capitalismo”.

Giunta recuerda que no solo los maestros antiguos se continuaban unos con otros. “Picasso retomó el arte africano y reversionó hasta el cansancio a Velázquez y Delacroix. Duchamp tomó una copia impresa de la Gioconda y le dibujó un bigote. Warhol hizo copias exactas de las latas de sopa Campbell y Lichtenstein tomó imágenes de historietas. Las reproducciones de sus obras se venden en tarjetas postales del MoMA. En los años ochenta y noventa, la apropiación fue una tendencia del arte.”.

La especialista –autora de Diversidad y arte latinoamericano (Siglo XXI) y responsable del texto que acompaña la muestra En el aire, de Poblete– analiza la polémica emulación de la Chola, que volvió a activar el gesto de Bony.

“Sherrie Levine llegó a copiar fotográficamente una imagen del reconocido Walker Evans. Oscar Bony, buen hijo de su tiempo, retomó a Robert Longo y dio un salto propio al agregar un vidrio sobre el que disparó (¿era el disparo de Niki de Saint Phalle, el de Jacques Monory?). También citó pinturas de Pettoruti. Y las fotografías de Longo replicaban las conocidísimas de Philippe Halsman. Hasta donde se sabe, nadie pidió permiso”, asegura.

“La Chola Poblete reversionó con su cuerpo de mujer trans y marrón la acción de Bony, incluido el traje y el vidrio con disparos. Una intimación judicial le ordenó retirar la obra. La referencia a Bony no es gratuita: su exposición reflexiva sobre los años sesenta y el Pop; en tal sentido también aparecen Marta Minujín y Peralta Ramos”.

En esa línea, agrega: “Bony fue reversionado varias veces por otros artistas: Alberto Pasolini, Daniel Santoro, el colectivo Lamarencoche y Daniel Ontiverosquien pintó su ‘Familia obrera’ –hoy en el Malba– usando una foto que le dio Bony. Celebro que el admirado Bony haya podido exhibir y vender sus citas de Longo y de Pettoruti sin que nadie lo amenazara”.

Desde esa perspectiva, concluye con fuerza: “La intervención judicial en las tradiciones del arte atenta contra su autonomía.. Podría pensarse como una forma de censura. Por último, pero no menos importante: la Chola no necesita la obra de Bony para la fama o para las ventas. Los coleccionistas y los museos admiran y adquirieron sus célebres acuarelas. Su derecho a visitar la historia del arte argentino ha sido vulnerado. En todo caso, quede claro: en la Argentina los artistas no pueden citar ni apropiarse sin permisos de la obra de artistas vivos o fallecidos”.

“En artes visuales, no toda semejanza es plagio. La cultura es una construcción continua.: una trama de imágenes que se transmiten y resignifican en cada época –reflexiona Florencia Fraschinapresidenta de la Asociación de Artistas Visuales Argentinos en Defensa de los Derechos de Autor (SAVA)–. Los artistas compartimos sensibilidades y preguntas; crear también es dialogar con la historia”.

En su análisis, sugiere que “ya en los orígenes, pueblos que habitaban cavernas no sabían que otros, en territorios lejanos, también pintaban, modelaban la tierra o rendían culto al sol. No se copiaban: compartían pulsiones. Llegaban, desde su experiencia del mundo, a imágenes semejantes. Esa coincidencia es maravillosa y nos unifica como especie.”.

Para Fraschina, la diferencia está en la transformación y en la ética. “El homenaje implica reconocer una fuente y producir un nuevo discurso.. Cuando Pablo Picasso revisita ‘Las Meninas’, de Velázquez, no replica: desplaza sentido y construye una mirada propia. El plagio comienza donde termina la transformación. Cuando no hay reconocimiento ni aporte personalla referencia deja de ser diálogo y se vuelve sustitución de autoridad. Crear implica transparencia: asumir influencias y convertirlas en lenguaje propio. Defender la autoridad es cuidar ese gesto humano esencial que convierte la experiencia en obra”.

La cuestión del plagio, la cita y la apropiación reaparece periódicamente, casi siempre con ribetes conflictivos.

“Se pone en escena con modos de exasperación y con defensas o ataques más emocionales que racionales –explica Florencia Cualinainvestigadora, curadora y crítica independiente–, lo que evidencia otra problemática: de inserción o exclusión respecto de la centralidad en el campo”.

Al profundizar acerca de los procedimientos artísticos, la curadora advierte: “La copia, la y las citas forman parte de los procedimientos artísticos desde el neolítico en adelante.. Esta relación con la originalidad y con la firma del artista está enlazada con el mercado económico. Los cuestionamientos al artista como genio que ya no produce obras originales se dan en un ámbito paradójico, porque esa firma sigue funcionando como garantía de autoría”.

la serie Después de Walker Evansrealizada en 1979 por Sherrie Levine, vuelve a aparecer como ejemplo. “Lo que inició fue una conversación explícita con el autor que la precede, por lo que la lectura se expandió”, afirma Qualina, quien dirige el Programa de Curaduría de la Fundación Cazadores.

“Cuando las obras que parten de una imagen anterior circulan en un mercado económico, intervienen dimensiones jurídicas y financieras. se producen bienes y participan distintos agentes, sobre todo jurídicos y económicos.. Lo que falla es no poder dar cuenta de toda esta confluencia cuando esas obras también tienen dimensión económica”.

Desde el Centro de Administración de Derechos Reprográficos de la Argentina (CADRA) reconocen que, en el terreno de las obras escritas y fotográficas, “el derecho de autor no busca frenar la circulación cultural, sino respetar a los creadores y valorar su trabajo”.

“La ley argentina protege todas las creaciones intelectuales en tanto sean originales. Esa protección incluye los derechos patrimoniales –la facultad de autorizar su reproducción, publicación o transformación– y los derechos morales, entre ellos el derecho irrenunciable a que se reconozca la autoridad. Nombrar al autor no es una cortesía: es una obligación legal”, destaca Federico G. Polak, presidente de CADRA.

Y subraya: “El derecho de autor no es un sistema diseñado para bloquear la culturasino para asegurar que los creadores puedan decidir cómo se utilizan sus obras”.

En tiempos de redes sociales e inteligencia artificial, los límites se vuelven más difusos. “La velocidad de circulación y la generación automatizada de contenidos desafían categorías pensadas en un mundo analógico. Sin embargo, los principios siguen siendo los mismos: reconocimiento de quien creó una obra, autorización cuando corresponde y respeto por la autoría y la obra ajena”.

Fiel a su estilo irruptivo, marcos lopez va más allá: “No me gusta usar la palabra homenaje o cita. La célebre pintura de Frida Kahlo, ‘Las dos Fridas’ (1939), el tomé como base para hacer mi obra ‘Hospital’ (2004)donde el enfermo y el enfermero son la misma persona y la sangre de ambos recircula entre sus venas”.

“Se puede leer como el enfermo que cura al enfermo o como que cada uno de nosotros es su propio enfermo. Fuimos con el actor Cristian Morales al Hospital Moyano, hice dos fotos y luego las superpuse con Photoshop. Para mí esta fotografía es como un autorretrato”.

Y concluye: “Tuve un hermano mellizo que murió tres días después de que nacimos. Creo que sigue estando presente en mí.. De algún modo, esta obra representa mi estado emocional, mi estado existencial. De algún modo, el dolor en la vida de Frida sigue estando dentro mío”.

Las obras a las que hace referencia pueden verse en la exposición retrospectiva que permanecerá abierta hasta mediados de abril en la Fundación Larivière.

El arte interpela y tiende puentes entre épocas y sensibilidades.. Ya lo dijo el filósofo alemán Walter Benjamin: “La única obra realmente dotada de sentido crítico debería ser un collage de citas, fragmentos, ecos de otras obras”.